Con toda la muerte al aire es el título original de la obra de David Metral que nació como monólogo breve y devino en una puesta épica de payasos. Aclamada en la Fiesta Nacional del Teatro en La Pampa, La puta mejor embalsamada narra el derrotero infame del cadáver de Eva Perón. La obra también refleja la relación entre la directora y su padre, el dramaturgo David Metral, un vínculo que se extiende y crece en la familia de los Metral-Daga-Tenaglia. En charla con Revista Picadero, Julieta comenta cómo nace la idea de poner la obra de su padre.
“Me gusta mucho cómo escribe mi papá. Escribió siempre cuentos. Su manera de narrar es muy teatral, tiene mucha acción. Mi papá es actor. También tiene una manera de escribir ‘neobarroso’; en términos de Néstor Perlongher, esa mezcla de territorio, argentinidad, pueblo, mirada de provincia mezclada con el anhelo de una identidad nacional feliz. Muy peronista, desde sus comienzos. Mi papá tiene el populacho en su vocabulario y el imaginario medio Leonardo Favio. Cada vez que él escribe, me potencia la niña, me potencia los sueños, el juego y el realismo mágico que me explota en imágenes y en posibilidades”. Entonces aparece la imagen y el concepto de ‘bufón’ ligado a la historia creativa de Julieta. El bufón es uno de los lenguajes que trabaja la actriz y lo incorpora en la obra de Metral.
“Cuando montamos Bufón con Luciano Delprato leímos mucho Perlongher, Lamborghini. Y, como yo no sé escribir, no me sale sentarme y escribir, le propuse a mi papá que escribiera una obra que fuera sobre Eva Duarte hablando”.
El pedido a su padre se relaciona, en su génesis, con la experiencia de la directora en la edición prepandemia, de Teatro Breve en Córdoba, una programación que reúne obras de 15 minutos de duración. Como a Julieta Daga le gusta Andrés Rivera, cuenta, tomó La revolución es un sueño eterno y montó el monólogo de Juan José Castelli, el orador de la Revolución de Mayo, defendiéndose en el juicio. “La corpo lo acusa de abusador, misógino… güevadas. En realidad, querían sacarlo del campo de la política. El texto es una maravilla”, dice la directora que puso en escena el alegato de Castelli al estilo bufón y protagonizado por Mariana Mansilla, una de las actrices de La puta mejor embalsamada. Para la edición de año siguiente de Teatro Breve, David Metral escribió un unipersonal de quince minutos sobre Eva. Finalmente, Julieta no participó, pero el dramaturgo convirtió el monólogo inicial en una obra. La decisión de la directora fue convocar al grupo Cortocircuito Clown y el texto vio la escena el 17 de octubre de 2019, a cien años del nacimiento de Eva Perón.
“Pensé en cinco bufones para encarnar la voz de Eva porque ellos son el pueblo, los cabecitas, los grasitas. Hice mi adaptación, le cambé el nombre porque está muy intervenida. Mi papá me decía que imaginaba a Eva parada, hablando. Lo invitamos al ensayo general, tres días antes del estreno. Cuando terminó la pasada, se emocionó y me dijo: ‘recién ahora entendí la obra que escribí’. Fue una devolución maravillosa. Siento que fue una ofrenda para él porque es mi padre adoptivo, él me eligió en la vida cuando yo tenía un año. Mi papá había muerto y David se casa a los 23 años con mi mamá, Ana Tenaglia, una mujer con dos hijos”. Pablo Daga, el hermano de Julieta, es periodista y tiene una radio comunitaria en Marcos Juárez, la ciudad donde nacieron. Del resto de la familia ya se dirá algo más adelante.
– ¿Hay un juego de provocación cuando decidís cambiar el título de la obra, aun cuando la frase ‘la puta mejor embalsamada’ es una línea del texto?
– Lo decidí porque el bufón provoca, conmueve, genera incomodidad, implica jugarse la cabeza para que haya debate y el título no quede en un friso. El título también es debatido. Porque así,‘puta’, se le decía a ella. Desde el comienzo, la obra debe ser polémica. Es polémico todo lo que le hacen al cuerpo de una mujer, lo que se le hace a la Argentina como cuerpo, territorio en disputa permanente por el imperialismo, las grandes empresas que vienen a robarse el cuerpo de nuestro país. Ella encarnaba esa lucha de soberanía nacional y sobre su cuerpo. Fue la más intervenida y eso no fue ingenuo, fue a propósito. Tenemos que hacernos cargo de esa argentinidad. La puta mejor embalsamada nos pone en problemas. ¿Por qué aceptamos todo eso? Fuimos parte de ese saqueo al cuerpo de Eva como el cuerpo del territorio nacional, y tenemos que hacernos cargo.
DEL ESTRENO CON CHORI A LA CENSURA
La puta mejor embalsamada se estrenó el 17 de octubre de 2019 y, al finalizar la función, hubo choripán en la puerta del teatro La Nave escénica. Pero no todas fueron risas y aplausos. En noviembre de 2021, la obra fue invitada a la 36.º Fiesta Provincial del Teatro de Tucumán y sufrió la censura a instancias de un grupo de concejalas de esa provincia.
“Nos avisaron un día antes de la función (programada para el 23 de noviembre pasado) que no viajáramos a Tucumán porque no podían asegurar que la pudiéramos hacer. Se pronunciaron concejalas del Partido Justicialista contra el título de la obra y pedían, enarbolando las banderas feministas, que se la cancele porque le parecía un agravio a la imagen de Eva Duarte. No sabían de qué se trata la obra, la semantización del título, y amenazaron con entrar a la función con una denuncia de género. El organizador de la Fiesta Provincial de Tucumán hizo que se llevara a cabo y que pudieran concursar los grupos tucumanos. Nos dijo que la obra le interesaba mucho, pero que, como invitados, podíamos volver en otro momento. La Fiesta se hizo y se trató el tema de la censura de un espectáculo que es feminista, se habló de la falta de libertad de expresión. No se puede prohibir un hecho artístico. A los pocos días el Partido Justicialista se pronunció desligándose de las concejalas. Me escribió la Asociación Argentina de Actores, me hablaron de todos los medios. Además, en Tucumán ya se había censurado otra obra. Trabajo mucho en Tucumán, tengo mucho público. La situación, que dejó a la luz el poder político censurando, es preocupante. Volvemos al Tucumán de Bussi. ¡Qué es esto!
– ¿La reacción pudo ser una respuesta al uso irónico de la frase del título?
– Es un riesgo que asume permanentemente el lenguaje que yo trabajo con el bufón. No puedo contemplar lo que se dice desde la ignorancia. No se puede juzgar un espectáculo que no viste por lo que te parece el título. Si los artistas nos ponemos a contemplar eso, estamos muertos, no podemos volar. El título es una invitación a que te saques la duda, a abrir el espectro imaginario. Si no sirve para eso lo que hacemos, ¿para qué sirve? No sirve para ganar plata, para cambiar el universo. Sirve para la persona que está sentada en la butaca y para generar nuevos paradigmas, nuevas reflexiones. Para salir del teatro y hablar del tema. Pero si no van al teatro y hablan de tema, eso es ignorancia. No las conozco a las concejalas. No se han informado.
Julieta Daga subraya que el título de la obra es provocativo porque hay una resignificación del término ‘puta’. “Hoy, con todos los feminismos, ‘puta’ es otra cosa y, además, es una resemantización de cómo se le decía a Eva. Imaginemos lo que fue en esa época escuchar permanentemente cómo se nombraba a una mujer que peleó por los pobres”. Parece más agraviante la palabra en un título que el hecho aberrante que sufrió su cuerpo. Eso es peligrosísimo. Pasa con todo cuando se quedan con lo chiquito, con los titulares, y no profundizamos. Es una comodidad peligrosa.
FAMILIA DE ARTISTAS
Julieta nació en una familia de artistas. Su madre, Ana Tenaglia, es actriz y cantautora; su padre, David Metral, actor y dramaturgo; su hermano Lautaro Metral, actor y director; su hermana, Eleonora Metral, bailarina, actriz y coreógrafa; Camilo Paz (22), hijo de Julieta, músico. Sobre la convivencia, el afecto y lo cotidiano, dice Julieta: “Es una relación natural. Hay que pararse a mirar para decir ‘no es tan natural’ (risas). Las reuniones familiares son una fiesta: todos cantan, bailan, actúan, hacen reír, hacen llorar. Cada Navidad, cada juntada es como una función. Nos llevamos muy bien. Tenemos estéticas diferentes, pero nos complementamos, nos acompañamos. Yo crecí en un camarín”.
El relato de sus primeros recuerdos en el teatro es conmovedor. Cuenta que veía la función desde atrás del escenario, o, en primera fila, al lado de Miguel Iriarte que le decía: ‘no hables’, ‘ni se te ocurra contestar lo que pregunta tu mamá’. El dramaturgo y director vivía el esplendor de Eran cinco hermanos y ella no era muy santa. Ana Tenaglia y David Metral estaban en el elenco. “Cuando la madre de la obra maltrataba al personaje de mi mamá, la Chola, yo me ponía como loca y Miguel me llevaba atrás del escenario. Iba a todas las funciones”.
La primera obra que recuerda haber visto fue Mockinpott, de Peter Weiss, con dirección de Cheté Cavagliatto en el Instituto Goethe. Julieta tenía cinco años. “Estaba en el público, siguiendo a los actores. Me fascinaba. Era una locura la nueva guardia que trajo Cheté. Después me doy cuenta de que la primera obra que recuerdo tenía como protagonista un payaso”.
FAMILIA DE CLOWNS
El otro grupo al que pertenece Julieta Daga, la familia elegida y buscada, es la de los clowns.
– ¿Qué es Mediasnoches payasas?
– Veníamos del grupo de artistas autoconvocados, Señores Niños, ¡al teatro! Nos juntamos en 2012. Armamos un festival y trajimos gente que nos capacitara, como Mariel Lewitán, que nos inició en el lenguaje del clown. Después vinieron muchos otros, hasta que decidimos hacer un espectáculo.Vimos a Los Papota que hacían Las noches payasas, un varieté de números. Se nos ocurrió copiarlos, pero haciendo impro. Así nacieron Mediasnoches payasas. Empezamos después de la última función en Casa Grote, a la medianoche. Nuestros payasos fueron creciendo y generando personalidades. Hace 17 años que las hacemos, payasos más, payasos menos; lo llamamos a Marcelo Katz que nos dirigió y hace dos años que está en el rol David Piccotto. Es una organización horizontal en la que nos vamos midiendo las ansias y los deseos, acompañándonos amorosamente, con mucha adrenalina. Tenemos hinchada propia. Mientras tanto, el dúo de payasas Las Pérez-Correa hace más de 12 años que están en escena. Julieta Daga y Laura Ortizson, amigas desde la adolescencia. Las payasas tomaron el apellido prestado del nombre de la calle en la que vivían. Estudiaron teatro juntas con el maestro Lisandro Selva.
“Las Pérez-Correa es nuestra manera de divertirnos en la vida, de reírnos, así se construyó el dúo. Es la onda entre nosotras, la comunicación y la energía más que lo que decimos. Si no hay disfrute, es muy difícil construir algo. En el lenguaje del clown o el bufón; si no estás divirtiéndote, no pasa nada. Tenemos una mirada política similar, así que el abordaje de los temas también constituyó la identidad de las Pérez-Correa. Es un trabajo intuitivo, con nuestras personalidades. Yo (Lita) tengomi risa, Laura (Bocha), la suya”. Lita sale un rato del dúo y se mete en La Celestina, enredada en la escenografía de arneses y sogas que creó Santiago Pérez para la obra más reciente de Daga en rol de actriz-clown, La Celestina, tragicomedia de Lita.
“La Celestina es mi gran proyecto. La obra se construye con el espectador. Es un camino nuevo para mí, como fue Bufón. Muta de función en función. La Celestina es como un gran amor que está comenzando en mí y esperemos que tenga un vuelo largo. Con David (Piccotto, director de la obra) nos divertimos muchísimo. Nos conocemos como con Laura desde que empezamos a estudiar teatro. Somos familia. La Celestina me propone lo que más me interesa de la payasa: el lado trágico y el lado cómico, a la vez. No me relajo y puedo mantener al espectador en la silla. Es similar a lo que hace el bufón: te reís y te emocionas, te reís y tenés miedo. Ese lugar de incertidumbre es el que me interesa investigar. Son los lugares donde puede pasar cualquier cosa,que es lo que más me gusta del teatro. Que uno esté a la expectativa y con ansias. Eso quiero que me pase en cada función y que le pase al espectador.
– ¿Y qué va a pasar con el Marrón federal?
– Estamos por juntarnos y ensayar sobre lo trabajado para presentarnos en la provincia de cada integrante del grupo. Somos de Neuquén, La Pampa, Entre Ríos, Chaco, Misiones, Córdoba. Se viene el recorrido con la obra que escribió mi hermano Lautaro Metral, que también me gusta como escribe. Él hace la asistencia de dirección.
Julieta reflexiona sobre el imaginario que ronda el Marrón federal, presente en las obras de Metral-Daga. “Tiene que ver con la argentinidad, la constitución de un ser nacional traído de distintas partes del mundo, generando una identidad criolla de abusos en el territorio nacional. El Marrón federal habla un poco de todos los hijos ‘cagados’ que han conformado la argentinidad, tan controvertida, por momentos cipaya, por momentos tan territorial, esa mezcla de la que también habla Perlongher. Y tiene que ver con nuestro universo familiar: mi mamá tan tana, del acordeón y su imaginario de la inmigración; mi viejo, tan peronista. De ahí salimos todos”. El camino del arte teatral ‘pos’ y el arte popular como el espacio en el que se dirime la teatralidad.
– ¿Por dónde van las búsquedas?
– Todo lo que hago es teatro popular, siempre estuve en organizaciones colectivas y me parece que es la única manera de constituir una identidad teatral. Hemos construido El Gre-Gre Cordobés, primer encuentro de teatro popular en Córdoba, en el Teatro Griego, a la gorra. Esa es la salida. La pandemia, de alguna manera, en contra de todos los presagios, nos ha volcado hacia el encuentro, valorando más la necesidad del abrazo y la construcción de un teatro que hable de nosotros, que nos haga reír, que nos haga llorar, que nos dé ganas de hablar después de la función. Que el teatro no sea críptico, que hable de lo que la gente necesita, que toque el corazón. Reivindica el origen del teatro que tiene que ver con el ritual, con la sangre, la vida, la muerte, poner en riesgo. Que no nos dé lo mismo. El teatro en todos lados. El actor mirando a los ojos del espectador es lo que hace que el teatro no muera nunca.
Por supuesto que el teatro también está en las salas, pero mucho teatro se ha volcado a mirarse el pupo y a la experimentación, que es necesaria, pero por momentos olvida al público que no es erudito. A ese público hay que recuperarlo porque se ha retirado a otras formas de entretenimiento, pero que en cuanto toma contacto con el teatro que habla de él y lo pone a pensar, lo ama. Hay que buscar la manera de recuperarlo.
